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Buchfotografie oder die Verfeinerung der Buchrezension im digitalen Zeitalter – ein Praxisleitfaden

Buchrezensionen gibt es spätestens seit dem Aufkommen der Massenmedien. Nun ist doch eigentlich im digitalen Zeitalter alles klar. Man klickt auf ein Buch, sieht sich das Cover an, es gibt ein paar Beispielseiten zum Anschauen und gut ist. Mitnichten. Feine Bücher verdienen mehr.

Es mag in einem kapitalistischen Produktionssystem oft so sein, aber feine Bücher verdienen mehr als einen Klick. Sie verdienen feine Buchrezensionen, die die Details der Beteiligten sichtbar machen.

Ein Buch ist zwar eine Ware aber die Rezensentin oder der Rezensent sind die einzigen, die aus der Ware mehr machen können. Und da es heute viele Bücher gibt, die gut sind, und nur wenige Rezensentinnen und Rezensenten, die das gesamte Buch erfassen und dies auch  durch eine entsprechend gestaltete Rezension wiedergeben (= Verfeinerung),  habe ich mir erlaubt, diesen Artikel zu verfassen.

Wer als Rezensentin oder Rezensent eine Buchrezension verfeinern will, der  muß mehr tun als zu schreiben. Damit aus der Rezension eine eigenständige digitale Produktion wird, eben eine verfeinerte Buchrezesension, bedarf es neben der fachlichen und kognitiven Fähigkeiten ebenso fotografischer und visueller Fähigkeiten.

Da ich als Publizist öfter rezensiere, habe ich die Buchfotografie entwickelt. Sie ist mehr als Produktfotografie, weil sie dazu dient, Gedanken eines Rezensenten oder einer Rezensentin zu visualisieren, um spezielle Elemente oder kompositorische Zusammenhänge an und in einem Buch sichtbar zu machen.

Welche Bucharten gibt es?

Denn das Auge isst nicht nur mit, sondern das Auge liest auch mit – logischerweise.

Wie geht man dabei nun vor?

Wenn man eine Rezension nicht vom mitgelieferten „Waschzettel“ abschreibt sondern sich ernsthaft mit dem Buch auseinandersetzt, dann ergeben sich eigentlich eine Reihe von Fragen, die das Buch ausmachen.

Ein Buch ist mehr als ein Text. Ein Buch ist die gestaltete Komposition eines Textes bzw. eine gestaltete Komposition verschiedener Medien. Hinzu kommt, dass Bücher die Vergänglichkeit festhalten wollen.

Je nach Buchart gibt es

  • Bücher mit dem Schwerpunkt auf Texten oder
  • es gibt Bücher mit dem Schwerpunkt auf Text und Bild oder
  • nur Bild und
  • es gibt das Buch selbst, welches den dargebrachten Inhalten eine Form gibt.

Das Buch als gestaltete Komposition sollte eigentlich durch die Rezension verdeutlicht werden. Der Rezensent bzw. die Rezensentin sollte dabei nicht nur als Richterin bzw. Richter bezüglich einer Kaufempfehlung schreiben sondern als Rezipient darüber hinausgehen und den eigenen kreativen Umgang mit dem Buch in Inhalt und Form und als Ganzes  in der Rezension zu Wort und Bild kommen lassen.

Welchen Zweck hat die Buchfotografie?

Die Buchfotografie muß die Gedanken des Rezensenten unterstützen bzw. Bilder nutzen, die etwas verdeutlichen sollen.

1. Beispiel

Dieses Bild ist eine eher klassische Komposition. Es ging in dem Artikel um die Verknüpfung der Frage von Kunst, Literatur und Fotografie mit Gedanken von Robert Hirsch, Wolfgang Boesner und Albert Camus. Daher diente dieses Foto dazu, die drei benutzten Bücher zusammen darzustellen.

 

2. Beispiel

Dieses Foto zeigt Text aus dem Buch „Klassenbilder“ von Rudolf Stumberger. Richtig lesbar sind lediglich 5 Worte. Sie dienen aber dazu, einen Gedanken zu visualisieren, der mir bei der Buchbesprechung sehr wichtig war. Zugleich gelingt es so, recht viel Text so zu komprimieren, dass eventuell eine Lust auf die gedruckten Worte entsteht.

 

3. Beispiel

Dieses Foto zeigt ein Bild aus dem Buch „Arbeitswelten“ von Bachmeier. Da man ja keine Fotos abfotografieren darf und gerade in Bildbänden immer aufpassen muß, dass man keine Rechte verletzt. ist dieses Bild eine Konstruktion aus mehreren Elementen: man sieht das aufgeschlagene Buch, blickt auf den Mittelstreifen, sieht hinten links eine Person im Arbeitsanzug aber diese wiederum mit einer extrem kurzen Schärfeebene. Dennoch wird sofort deutlich, was das Buch an dieser Stelle vermitteln will.

 

4. Beispiel

Hier sieht man den Ansatz von George Barr aus seinem Buch „Der Blick über die Schulter“. Man sieht, dass es um ein Foto geht ohne das Foto exakt wiederzugeben. Gleichzeitig liegt die Schärfeebene nur auf der Überschrift. Durch das Spiel von Tiefenschärfe und Schärfentiefe wird deutlich, wie der Autor hier erklärt und wie er gedanklich vorgeht.

 

5. Beispiel

Wenn es um ein Buch mit purem Text geht, dann kann eine fotografische Bearbeitung durchaus sinnvoll sein, weil sie den Focus auf den Text setzt. Joachim Schmid schrieb einmal einen Text über „Hohe“ und „Niedere“ Fotografie. Um die Überschrift und die Bedeutung dieses Textes für den gedanklichen Zusammenhang darzustellen wurde hier die Bildebene so verschoben, dass man automatisch auf das Loch in der Mitte schaut, aus der die Überschrift herausragt. Hinzu kommt in diesem Fall, dass das Wort „Hohe“ auf einer höheren Ebene liegt wie das Wort „Niedere“.

 

6. Beispiel

Bei dem Buch „Ein Tag Deutschland“ von Freelens-Fotografen ging es mir darum, den Sammelcharakter und den bezug auf Deutschland und das buchbinderisch verbindende Element besonders zu betonen. Deshalb habe ich bewusst den Makroblick gewählt, um zu zeigen, worauf der Verlag offenkundig Wert gelegt hat.

 

7. Beispiel

„Biete Visionen“ von David duChemin sollte irgendwie auch „Visionen“ real erscheinen lassen, weil das Wort auf Deutsch eher Richtung gesellschaftliche Utopie rutscht und nicht so konkret gedacht als realer Plan gemeint ist. Der Smiley half mir, jedem die Möglichkeit zu geben, Visionen konkret zu veranschaulichen. Wer es verstehen will, der wird es auch verstehen.

 

8. Beispiel

Diese Formel aus dem Buch „Meisterschule Digitale Fotografie von R. Wagner u. K. Kindermann“ zeigt das Niveau und zugleich die Gestaltung des Textes. Da mir dies sehr gut gefiel, wollte ich den Fokus speziell auf dieses Element lenken in der Rezension und konnte es mit diesem Foto sehr gut wiedergeben.

 

Welche fotografischen Mittel benutze ich bei der Buchfotografie?

In erster Linie benutze ich

  1. Makrofotografie
  2. sehr lichtstarke Objektive
  3. digitale Filter

Wenn man das Buch gelesen bzw. angeschaut hat und die echte Auseinandersetzung damit beginnt, bilden sich Schwerpunkte. Wenn man diese dann der Welt mitteilen will, sollte man visuelle Elemente auch irgendwie visualisieren.

Da man eine Reihe von Rechten beachten muß und manchmal gut gemachte Dinge in einem Buch nicht sofort ins Auge springen, sind Makrofotos ideal, um solche liebevollen oder wesentlichen Details einer Argumentation zu illustrieren.

Bei allen Büchern, egal ob purer Text, oder Text und Bild oder nur Bild oder gekoppelt mit CD oder als Hörbuch, gilt der Gedanke von Edmund Schalkowski: „Das geeignete Verfahren besteht darin, den Gegenstand mit allen Sinnen auf sich wirken lassen, sich entweder von ihm ergreifen oder abstoßen lassen, und diese Anrührung argumentativ nachzuvollziehen.“

Eine echte Rezension ist eben mehr als eine Buchvorstellung, es ist die persönliche  Buchverarbeitung und die Darstellung des Ergebnisses in einer Rezension.

Und wie man mit Hilfe der Buchfotografie eine Rezension verfeinert, habe ich ihnen hier vorgestellt.

 

Welche Vorteile hat Buchfotografie für Verlage und Mediahäuser?

Im Übrigen hat eine verfeinerte Buchrezension auch unter dem Gesichtspunkt der Vermarktung nur Vorteile.

  1. Erstens finden mögliche Interessenten eine Rezension, die Lust auf Bücher machen kann, die auch teurer sind, weil man sieht, was in ihnen steckt.
  2. Zweitens ist die Vermittlung eines Buches über eine Rezension, bei der man sich auch auf das Geschriebene und Dargestellte verlassen kann, viel besser.
  3. Drittens hat es den nicht unangenehmen Marketingeffekt, dass ein Buch sich durch diese Rezension digital bewährt hat und einen schicken Platz im Internet gefunden hat.

Allerdings muß ich abschließend hinzufügen, die Bücher müssen auch halten, was sie versprechen – eben feine Bücher sein – und die Rezension auch. Deshalb ist eine ehrliche (und liebevolle) Auseinandersetzung mit dem Buch besser für den Verlag, den/die AutorIn und den Rezensenten.

 

Leben ohne Photoshop – Gute Software für Fotografen und Journalisten im Jahre 2011


Eine subjektive Einschätzung.

Bis vor ein paar Jahren war alles klar. Es gab ein Programm, welches alle Fotografen quasi als Standard beherrschen sollten: Adobe Photoshop in den verschiedenen Versionen. Aber es war eben vor allem auch ein Grafikprogramm.

Wer grafisch oder als Grafiker arbeiten wollte, der hatte und hat als gute Alternative immer Corel Draw, ein sehr anwenderfreundliches Programm, aber weniger für Fotografen geeignet.

Adobe Photoshop war auch deshalb so erfolgreich, weil man durch die Technik der Ebenen quasi alles miteinander kombinieren und verändern konnte. So konnte aus Fotos ein völlig neues digitales Bild gemacht werden. Das fasziniert bis heute viele Grafiker und Kreative. Aber es war in meinen Augen im Vergleich zu den heute verfügbaren Programmen kein Programm für Fotografen oder Bildreporter und die Bedienung des Programms war eine echte Geschmackssache…

Deshalb lohnt ein Blick zurück und einige Blicke in die heutige Runde aktueller Software für Fotografen.

Eines Tages kam eine Reihe von innovativen Firmen auf den Markt. Mir scheint eine besonders erwähnenswert, die Firma Nik mit ihrer U-Point Technologie.

„Ausgangspunkt für die Entwicklung der U Point- Technologie war die Vorstellung, die der Fotograf von einem fertigen Bild hat. Mit Hilfe der U Point- Technologie kann er das Bild direkt bearbeiten und seine Vorstellung exakt umsetzen.“ Diese Aussage der Firma Nik Software zeigt ihren Ansatz. Ein erster Vertreter dieser Technologie war die Software Capture NX und später NX2 der Firma Nikon. Diese wurde meines Wissens (?) von der Firma Nik produziert.

Es gab daneben schon immer viele andere Programme. Diese waren aber fast alle für die Bearbeitung von JPG-Dateien gedacht. Das „unentwickelte“ Rohdatenformat RAW hatte dagegen weniger Freunde. Das änderte sich in den letzten Jahren rapide, so dass immer mehr RAW-Konverter entstanden, also Programme die aus RAW-Dateien JPG und TIFF Dateien machten.

Im Laufe dieser Zeit entstanden einige Programme, die letztlich sowohl die Bearbeitung in RAW und die Weiterbearbeitung in JPG und TIFF beherrschten und den Arbeitsprozess der Fotobearbeitung auf digitalem Niveau möglich machten: Silkypix, Lightroom, Capture NX2, Lightzone – alle für Windows und Mac, Corel Paintshop Pro Photo X3 (nur Windows), Aperture (nur Mac) sowie viele spezialisierte kleinere Programme wie z.B. Bibble Pro, PT Lens, Graphic Converter, Autofx etc. Umgekehrt entwickelte sich das eher als Dateiverwaltung konzipierte Programm ACDSee in der Version 3 zu einem schon sehr ausgereiften Komplettprogramm weiter, welches plötzlich seine frühen Stärken voll ausspielen konnte, die fast einzigartig schnelle und umfangreiche Dateiverwaltung. Seit der Version 4 ist ACDsee auch noch mit GPS Visualisierung ausgestattet. Das ermöglicht mit GPS-fähigen Kameras und einem Internetanschluss völlig neue Visualisierungsmöglichkeiten.

Wenn ich nun Programme anschaue, die vom Laden der Dateien aus der Kamera bis zum druckfähigen oder webfähigen Bild alles im Ablauf (neudeutsch: workflow) bieten, dann fällt mein Fazit aus meiner subjektiv-praktischen Sicht für RAW-Dateien folgendermassen aus:

Silkypix 4 Pro hat eine Routine zum Automatischen Belichtungsausgleich, die ohne eigenes Zutun unglaublich gut arbeitet. Durch die Verfeinerungen bei den Lichtern ist es möglich, aus RAW Dateien eine unglaublich feine Struktur herauszuholen – ohne stundenlange Arbeit.

Capture NX2 hat als einziges Programm die U-Point Technologie komplett umgesetzt. Man muß aber hinzufügen, dass erst zusammen mit den Nik Filtern Color Efex Pro 3 Complete das Programm zur Hochform aufläuft. Da der Pinsel in Capture NX2 jeden Filter abziehen oder hinzufügen kann, ist es sehr einfach, fast jede Art von Veränderung einfach reinzumalen in das Foto. Zusammen mit den U-Point Farbpunkten gelingt damit die digitale Nachbildung des Fotolabores in einer Form, die analog nicht möglich war. Das Programm könnte unter dem Gesichtspunkt der Usability etwas schöner sein. Das größte Manko von Capture NX2 ist die Beschränkung auf Nikon NEF/NRW RAW Dateien.

Genau da setzt Lightroom an. Während Photoshop/Elements noch einen ähnlichen Bildschirmaufbau hat wie vor einigen Jahren fast alle Programme (und auch Capture NX2), so ist Lightroom mit einer neuen Struktur gestartet. Ich finde aber erst die Version 3 von Lightroom so strukturiert, dass sie einigermassen schlüssig ist und die Arbeitsfähigkeit nicht durch Umdenken immer wieder neu unterbrochen wird. Hinzu kommt die Fähigkeit, fast alle RAW Formate nutzen zu können und diese auch noch in das Adobe Format DNG konvertieren zu können. Das erhöht die Flexibilität wesentlich.

Dadurch dass die Firma NIK die U-Point Technologie zudem in alle ihre Filterprogramme eingebaut hat und alle Filter in Adobe Lightroom und Adobe Photoshop Elements nutzbar sind, kann man nun auf wunderbare Weise diese exzellente Technik in Lightroom 3 nutzen. Lightroom 3 hat eine eingebaute Objektivkorrektur für alle größeren Kamerahersteller und ist somit flexibler als alle herstellerspezifischen Programme. Hinzu kommt der Korrekturpinsel mit der Möglichkeit der lokalen Korrekturen (ich fühle mich da an die U-Point Technologie erinnert), so daß flexible Fotobearbeitung auf hohem Niveau möglich ist.

Aperture von Apple ist seit der Version 3 ebenfalls flexibler geworden. Die Pinsel zum Aufhellen und Abdunkeln sind jetzt so einfach bedienbar, dass die schnelle Bildbearbeitung ein Genuss geworden ist. Aperture gibt es aber nur für den Mac.

Umgekehrt gibt es ACDSsee Pro 4 nur für Windows. ACDsee ist ein Programm-Werkzeug(Software-Tool), welches große Bildmengen sauber, schnell und einfach verwaltet und vor allem auch ermöglicht, die Datensicherung von Hand beizubehalten. Hinzu kommt eine exzellente Bildbearbeitung, die sehr intuitiv ist. Ein Highlight dabei ist sicherlich das Werkzeug für die Perspektivische Korrektur und aktuell auch GPS. Ich kenne keine Software, die dies so intuitiv und einfach ermöglicht. Die neue MAC-Version ist mit der Windows-Version nicht identisch und in meinen Augen noch entwicklungsfähig.

Eine der größten Herausforderungen für Journalisten und Fotografen ist neben der Bearbeitung die Sicherung der Bildbestände und das Auffinden bei einer späteren Suche. Ich würde mich dabei auf kein Programm festlegen, sondern nur die Dateien abspeichern nach einer inneren Logik. Selbst wenn der PC oder der MAC verschwindet, müßte dann auf den gesicherten externen Festplatten es möglich sein, die Dateien in Ordner, nach Jahren und/oder Themen geordnet, mit neuen Programmen zu verwalten.

Daher ist man bis heute nur auf der sicheren Seite, wenn man zusätzlich immer wieder auf externen Festplatten Ordnerstrukturen mit Fotos speichert und sich nicht auf eventuelle Heilsversprechen der Hersteller von Software verläßt.

Das kann in meinen Augen am besten ACDsee Pro 3/4 auf Windows und der neue Graphic Konverter 7x auf dem Mac. Aber auf dem MAC ist das noch etwas anders. Dort lieben ja viele die Kombination von automatischer Datenverwaltung mit Aperture und Backup. Mir persönlich ist dies zu unsicher. Wen diese Problematik interessiert, der sei auf diesen Link verwiesen.

Bei all diesen Ausführungen spielt Photoshop keine Rolle mehr. Die „Zauberwerkzeuge“ der Photoshop Elements Version 9 mit dem Austauschen von Köpfen oder dem neu zusammensetzen von Bildern können dazu führen, dass ein solches Programm noch attraktiv ist. Aber für die Fotobearbeitung im engeren Sinne spielt dies keine Rolle mehr.

Aus meiner Sicht gab es noch nie so viel gute RAW-Software für Fotografen und Journalisten wie heute, die intuitiv bedienbar ist, die Bilder gut verwaltet und die sehr viele Möglichkeiten der digitalen Nachbearbeitung beinhaltet.

Ich glaube Adobe Photoshop ist für Grafiker und Bildgestalter ein sehr gute Lösung. Corel Draw gefällt mir persönlich dafür noch besser und ist in meinem Umfeld bei praktischen Einsätzen wie z.B. Logo und Schriftzugerstellung für Folien – also im Praxiseinsatz im Handwerk – offenkundig auch bewährt.

Aber ich finde, heute gibt es für die Fotobearbeitung bessere Programme als Photoshop oder Photoshop Elements, so dass ein Leben ohne Photoshop ohne Abstriche bei den Möglichkeiten der Fotobearbeitung im klassischen Sinne vielleicht sogar noch besser möglich ist.

Und man muß anfügen, dass ich mit meiner Auffassung offenkundig nicht allein bin. Bei der Vorstellung von Corel Paintshop Pro X4 Ultimate ergab sich z.B. auf dpreview.com bei den Kommentaren eine erstaunliche Diskussion, die dazu führt, dass das neue Corel im Vergleich zu Photoshop von einigen als besser und natürlich wesentlich preiswerter angesehen wird und von anderen schlicht festgestellt wird, dass die Bedienstruktur (User Interface) der Adobe Produkte wohl eine der „unfreundlichsten“ sei.

Aber Photoshop hat ja noch eine andere Dimension. Wer sich im Bereich Medien qualifiziert, der muß irgendwann nachweisen, dass er/sie mit Photoshop arbeiten kann. Er/sie muß eine Grafik erstellen nach Vorgaben, mit den digitalen Werkzeugen und Ebenen arbeiten und hinterher wird diese Arbeit bewertet. Insofern ist Photoshop auch ein Macht- und Kontrollmittel. Dies könnte einer der Gründe sein, warum ein Leben ohne Photoshop noch lange nicht möglich sein wird…

Nachtrag 2012: Bitte beachten Sie, dass es sich um einen Artikel aus dem Jahre 2011 handelt und einige Software-Peodukte mittlerweile schon wieder weiterentwickelt worden sind.

make money with your digital photography by erin manning

„What’s your personality? Do you consider yourself an extrovert or introvert? Are you comfortable in large groups of people, or do you prefer to work alone?

The book „make money with your digital photography“ from Erin Manning is a great chance to find YOUR way in the world of photography and in the way to earn money with photography.

In the introduction she writes „it is an overview of opportunities“. The book is much more.

In short and very well words Erin Manning shows her own way in the world of living with photography. She shows the long way until you discover your preferences. And you can learn to find your personal style of photography.

Very sensible, very clear and with a lot of experience the author writes about the most difficult thing: to find your own personality and to express this in photos.

And then she shows how to make money if you know what you want and what you can.

The book has a very readable layout. In every chapter you find questions for practice and the answers.

At the end of every chapter you find a summary and some sentences to learn if you go outside without the book.

Portrait, sports, wedding, food and product, travel and more are the field of photography you find here.

In every chapter she has a part „Q&A with a Working Pro“. In sports photography she asks Serge Timacheff, in wedding photography she asks Robert Holley, in food photography she asks Lou Manna, in travel photography she asks Lorne Renick and after that in chapter 8 she writes „show me the money“.

So you get not only the view of Erin Manning. At the same time you get knowledge from specialized photographers and after that you find a lot of pages full with hard knowledge for earning money with photos.

It is a very readable book with collected experience and very instructive information. It is a book you need not read from the beginning to the end. Every chapter is a closed theme. But all together give you an inspirational way in the commercial fields of photography.

In my opinion the book is for active readers: read, think, do. So this book is very professional, has a good layout and is full of good energy. It is a book for people who want to bring in their own personality. Yes, she writes about equipment too.

But much more here you have a book full of chances. And the book is deep. That means here you find knowledge and experience combined with a very good table of contents. So it is a working book and it is a great book.

Erin Manning

make money with your digital photography

ISBN 978-0-470-47431-0

www.wiley.com/compbooks

The Wonderful World of Albert Kahn

Albert Kahn became famous because he wrote history with photos. „In 1909 the millionaire French banker an philanthropist Albert Kahn embarked on an ambitious project to create a colour photographic record of, and for, the peoples of the world.“

Brassai – The Monograph

Discover the night

“Brassai knew how to see the hundreds of insignificant details of daily life; many of the subjects of his photos are at first sight not very original: windows, cats, plane trees, people sleeping. He was receptive to their poetry just as it was, but unlike Robert Doisneau, for example, who said that he allowed himself to be impregnated by such poetry »like a piece of blotting paper« before re-creating it in effortless snapshots, Brassai absorbed it and used it to give a more detached poetry to his work. His starting point could equally be a nasturtium leaf or an iron chair in the Tuileries gardens.” (p. 155)
Discover photographie and other arts

The big book from Alain Sayag and Annick Lionel-Marie about “Brassai. The Monograph” is one of the best ways to understand a great photographer. The book contains articles about and from Brassai and a lot of photos and other ways of his art.

After half an hour you will develop a feeling for this man, after two days you will see in his way, after some weeks you will experience in his art. The book is impressive and a serious good work. Thank you for this book!

Zeit in der Fotografie

Zeit spielt in der Fotografie eine große Rolle und in der Kunst ebenso. Vielleicht wird sie auch in der Fotokunst eine Rolle spielen. Für mich ist das wichtigste Bild zu diesem Thema „Die Beständigkeit der Erinnerung“ (The Persistence of Memory), auch „Die zerrinnende Zeit“ oder „Die weichen Uhren“ des surrealistischen Malers Salvador Dalí aus dem Jahr 1931.

Doch aus der Höhe des Denkens möchte ich nun zu den ganz praktischen Fragen des Umgangs mit der Zeit in der Fotografie kommen. Denn Zeit ist eine wesentliche Variable in der Fotografie. Die folgenden Gedanken sind unterteilt und ermöglichen schnelle und klare Blicke auf das Thema aus meiner Sicht.

Zeit und Geld

Und wenn dann Geld auch eine Rolle spielt, weil man von der Fotografie leben muß, dann wird es noch interessanter. Dazu drei Beispiele:

1. Der Videofotograf

Im Focus wurden die monatlichen Bruttoentgelte vieler Berufsgruppen aufgeschrieben. Danach verdient ein Videofotograf, also ein Fotograf, der auch Videos erstellt, als Einstiegsgehalt ca. 2000 Euro brutto. Nun ist dort nicht ausgewiesen, was dafür getan werden muß. Aber in diesem Falle ist der Videofotograf angestellt. Deshalb will ich hier ein paar Gedanken hinzufügen.

Wenn das Videomaterial zusätzlich zu Fotos erstellt wird, dann hat es einen anderen Bearbeitungsweg. Entweder gibt der Videofotograf das Rohmaterial einfach im Betrieb ab, dann muß es von einem Cutter oder einer Cutterin noch komplett bearbeitet werden. Es muß also eingespielt, geschnitten und weiterverarbeitet werden. Wenn das Material verarbeitet wurde, muß es danach zu oder in einem Beitrag verarbeitet werden. Es müssen also auch noch Intro, Zwischentexte etc. reingeschnitten bzw. erstellt werden. Das ist immer zeitaufwändig.

Oder der Videofotograf bearbeitet selbst. Das ist ebenso zeitaufwendig und hat dieselben Schritte wie oben aufgezeigt. Wenn man ein kleines Video machen will, welches einen Sachbeitrag darstellt, dann kostet dies also Zeit und damit auch Geld.

2. Der wartende Fotograf

Wenn ein Fotograf seine Motive sucht, dann kann er dies entweder in gestellten oder in echten Situationen. Echte Situation bedeutet, ich gehe/fahre irgendwohin, um dort eine Situation zu suchen. Das geschieht nie auf Knopfdruck. Entweder gibt es einen Ablauf des Geschehens oder man wartet irgendwo auf die Dinge, die da kommen sollen. In dieser Zeit wird nicht fotografiert sondern gewartet. Was ist das für eine Zeit? Früher wurde dies so abgerechnet, daß es einmal eine Pauschale für einen Zeitaufwand gab und dann noch mal pro Foto eine Vergütung für einen Zweck gezahlt wurde. Das ist im Zeitalter der zunehmenden Digitalisierung ins Rutschen geraten.

3. Der vorbereitende Fotograf

Ähnlich aber umgekehrt sieht es beim Studiofotografen aus. Dabei kann das Studio vor Ort aufgebaut werden oder fest an einer Adresse sein. In beiden Fällen ist die Vorbereitungszeit ganz entscheidend. Wenn die Dinge stimmen wird fotografiert. Vorbereitungen brauchen Zeit, damit es stimmig ist. Diese Zeit kann nur begrenzt abgerechnet werden.

Diese drei Beispiele zeigen das Verhältnis von Zeit und Geld in der Fotografie.

Zeit und Bildkomposition

Doch es gibt noch mehr Relationen. Die nächste Relation ist die Relation von Zeit im Foto selbst. R. Wagner und K. Kindermann zeigen in ihrer „Meisterschule der Fotografie“ einen fotografischen Zusammenhang auf. Welche Rolle spielt zum Beispiel „Zeit“?

„Eine Folge der Richtung, in der man in ein Bild geht, ist die Zeitkomponente, die ein Bild hat. Links sieht man zuerst, dann wandert der Blick nach rechts. Damit ist links die Vergangenheit, rechts die Zukunft, in der Mitte die Gegenwart. Wird ein Motiv zentral platziert, ruht es in der Gegenwart.“

So ist die Dimension der Zeit ein wesentliches Instrument für den Bildaufbau. Wer damit arbeitet kann gestalterisch ganze Abläufe versinnbildlichen. Aber der Umgang mit der Zeit ist natürlich mit der Anordnung von links nach rechts auf einem Foto nicht beendet. Es gibt weitere Elemente für die Umsetzung von Zeit in der Fotografie.

1. Alles beginnt mit den Verschlusszeiten. Einfrieren oder Fließen, das ist hier die Frage.

2. Wie scharf soll es denn sein? Unschärfe und Bewegungsunschärfe auf Fotos zeigen sehr oft das Verhältnis von Zeit und Zeitfluss.

3. Die Kamera zeigt die Zeit. Dieser Effekt kann sehr schön durch das Bewegen der Kamera statt der Motive während einer Aufnahme erfolgen.

4. Langzeitbelichtungen als Ergebnis und Vorgang. Damit können Strassen menschenleer gemacht oder ein Verhältnis von Fliessen und Stillstand geschaffen werden.

5. Nachbearbeitung und Kombination, zum Beispiel in einer Bildserie…

Es gibt sicherlich noch mehr Möglichkeiten, die Zeit und die Aussagen in einem Foto sichtbar zu machen. In allen Fällen ist dies eine Entscheidung der/des Fotografin / Fotografen.

Zeit und Lebenszeit

Aber damit ist noch nicht Schluß. Es gibt noch eine wichtige Relation, sie lautet Zeit und Lebenszeit. Der wichtigste Gedanke dazu findet sich meiner Meinung nach bei Albert Camus: „Es kommt ein Tag, da stellt der Mensch fest, daß er dreißig Jahre alt ist. Damit beteuert er seine Jugend. Zugleich aber bestimmt er seine Situation, in dem er sich in Beziehung zur Zeit setzt. Er nimmt in ihren seinen Platz ein. Er erkennt, daß er sich an einem bestimmten Punkt einer Kurve befindet, die er – dazu bekennt er sich – durchlaufen muß.“

Dieser lebensbejahende Gedanke kann natürlich zu einer sinnlichen Wahrnehmung von Zeit führen. Und die ist nicht nur sinnlich. Wie formulierte Robert Hirsch so schön:

„Kurz und bündig formuliert sagt Einstein, dass es so etwas wie eine universell gültige Zeit nicht gibt – es gibt keine zentrale Uhr im Universum, nach der sich alles richtet.“

Und er führt etwas später aus: „Wenn Sie Ihre bildnerischen Möglichkeiten zum Umgang von Zeit und Raum auf einen linearen Ansatz nach den Prinzipien Newtons beschränken, werden Sie Ihr Denken und das Potenzial ihrer Kamera einschränken“ (aus: Robert Hirsch, Mit der Kamera sehen).

Damit ist die Fotografie eine der Möglichkeiten, kreativ sich in ein Verhältnis zur Welt zu setzen und dies in der eigenen Fotografie auszudrücken. Wichtige Mittel dazu sind ja weiter oben schon beschrieben worden.

Ganz praktisch kann man auch sagen, wer manuell fotografiert, der weiß sofort, was ich meine. Man kann ja fast jede bessere Kamera zur manuellen Fokussierung (und mehr) benutzen.

Entscheidend dabei ist die Entschleunigung. Da man nicht nur den Bildausschnitt sondern auch die Schärfe von Hand einstellen muß, entsteht eine längere Auseinandersetzung im Kopf mit dem, was da als Foto bzw. Bild eingefangen und entstehen soll.

Damit kann Zeit in der Fotografie zur Entschleunigung der eigenen Lebenszeit beitragen und zu einer anderen Art der gestalterischen Komposition. Dies ist ebenfalls eine wesentliche Relation der Fotografie.

Mehr

Neben diesen drei Relationen gibt es noch eine andere. „Wenn die Zeit keinen Anfang und kein Ende hat, dann kann man jeden Moment als Mittelpunkt der Zeit sehen.“ Dieser Gedanke führt uns zur Zeitlosigkeit bzw. zur Gegenwart in der Zeit (das Wort würde aber nicht passen, wenn die Zeit weder Anfang noch Ende hat…).

Dies ist vielleicht die Fortsetzung der Entschleunigung. Vielleicht führt uns die Entschleunigung dann in das Hier und Jetzt.

Das wiederum hätte Folgen für die Bildkomposition. Sie würde anders. Im einfachsten Fall würde das Motiv in der Mitte liegen, in anderen Dimensionen müßte eine andere Art der Fotografie zu sehen sein. Aber an dieser Stelle sind wir vielleicht schon – als Gesellschaft?!

Nur ist eine Gesellschaft ohne Geschichte eine richtungslose und wertelose Angelegenheit. Und genau dann kann die Fotografie wieder helfen, diese Zeitlosigkeit in eine Relation zu anderen Zeiten zu setzen. Und darüber hinaus die Zeitlosigkeit des Seins nicht mit der Zeitlosigkeit des Zeitgeistes zu verwechseln.

Wie auch immer. Es ist an der Zeit, hier zu enden, denn „Informationen werden mitgeteilt und Wissen erwirbt man durch Denken“ (wie ein kluger Mensch einmal sagte).

Wer ist ein Fotograf und wer darf fotografieren?



Im Internet habe ich folgendes gefunden: „Ich lebe im Ausland (Irland), und hier gibt es keine Fotografenlehre. Entweder man lernt durchs Assistieren, oder durchs college, oder beides. Ich habe ein ‚Certificate‘ in ‚Commercial Photography‘ von einem college of art and design, aber auch ohne dies koennte ich mich hier ‚photographer‘ nennen!“

Wenn man nun in Deutschland nachschaut, dann scheint es ja ziemlich viele Debatten zu geben über dieses Thema. Der Wikipedia-Artikel dazu scheint bei den Revisionen von einem Kampf um die Frage geprägt, wer darf sich Fotograf nennen?

Ein Tag Deutschland – das Buch von Freelens Fotografen

Wie soll man diesem Buch gerecht werden? Am 7. Mai 2010 “reisten 432 Fotografen durch ganz Deutschland, um festzuhalten, was vor ihrer Kamera geschah: in Schulen und Wohnzimmern, auf Fußballplätzen und Flughäfen, in Parlamenten und Diskotheken. Sie sind über die Dörfer und durch die Großstädte gefahren und haben nach Momenten Ausschau gehalten, die dieses Land repräsentieren.”

Der Tag war bewußt gewählt: “X-beliebig sollte er sein.” Darauf weist Christoph Schaden in seinem Textbeitrag im Buch hin. Soweit die Eigendarstellung. Das Buch ist ja schon mit einigen anderen Büchern verglichen worden. So mit dem Buch “Ein Tag im Leben Amerikas” und ich wäre auch geneigt es mit dem Buch “Das Magnum-Archiv” zu vergleichen.

Aber kann man das? Lutz Fischmann von Freelens schreibt zu Beginn des Buches: “Für dieses einmalige Projekt bedurfte es des besonderen, authentischen Blicks. Fotografen haben von je her Gesellschaften erforscht und dokumentiert – in ihren ganzen Breiten und Tiefen und unabhängig von Redaktionsaufträgen. Auch mit dem Projekt »Ein Tag Deutschland« haben sie dies getan – ohne auf die Verwertbarkeit in den Medien zu achten. Sie erzählen, wie es in Deutschland wirklich »aussieht«.

Die außergewöhnliche Dokumentation eines gewöhnlichen Freitags in Deutschland unterstreicht so auch die gesellschaftliche und kulturelle Relevanz hochwertiger Bilder. Initiiert hat das Projekt der Fotografenverband FREELENS, dem inzwischen über 2 000 Fotografen angehören, die für alle renommierten Magazine und Verlage arbeiten.”

Ein Tag Deutschland – Das Buch ist also ein einmaliges Projekt und zeigt einen ganz gewöhnlichen Freitag in Deutschland. Zunächst ist es ein schön gemachtes Buch. Das Format ist nicht zu groß und doch groß genug, um Fotos in ihrer Wirkung zu Wort kommen zu lassen. Es ist ein reines “Blätterbuch”. Man kann es von vorne bis hinten durchblättern oder einfach so mittendrin aufschlagen. Das Layout in diesem Buch ist sehr unterschiedlich. Fast jede Doppelseite ist anders angeordnet. Es gibt manchmal nur ein oder zwei große Fotos auf einer Doppelseite, manchmal ist es ein großes Foto, ein kleineres und ein ganz kleines Foto. Und manchmal sind eine oder mehrere Doppelseiten von einem Fotografen, umgekehrt sind auf einer Doppelseite drei Fotografinnen und Fotografen zu finden. Da dies ja mit Absicht geschehen ist wird damit jede über das Foto hinausgehende Struktur schwierig. Umgekehrt ermöglicht es den direkten Blick auf das jeweilige Foto. Da es sich naturgemäß um eine Darstellung eines Teils der Freelens-Fotografinnen und Fotografen handelt, kann man hier sehr schön die verschiedenen Arbeitsweisen sehen. Es handelt sich ja ausschließlich um dokumentierende Fotografie. Ein Tag in Deutschland soll dokumentiert werden. Daher ist es ein wunderbares Buch, um einen aktuellen Querschnitt zum Thema fotografische Ansätze im Bereich Dokumentarfotografie zu erhalten. Dazu eignet es sich sehr gut, vor allem weil deutlich wird, alles ist erlaubt und alles ist möglich, wenn die dokumentarische Aussage stimmt. Und es scheint ja eine Außendarstellung von Freelens zu sein. Es ist kein Jahrbuch, es ist ein einmaliges Tage(s)buch im besten Wortsinne. Christoph Schaden schreibt über den Sinn des Buches: ” Vor dem inneren Auge sehen wir sie schon vor uns: Soziologen und Bildwissenschaftler, die sich in ferner Zukunft einmal die Frage stellen werden, wie denn alles gewesen sei. Damals, in diesem Land, in dieser Dekade, die so schlecht in Bildern dokumentiert ist wie keine andere zuvor und danach, weil mit der digitalen Zeit hoffnungslos alles zerstört wurde. Von den Schriftquellen haben sie immerhin erfahren, dass sich zu jener Zeit der Fotojournalismus in Deutschland in einer Krise befunden haben musste. Um so verwunderter werden sie dann wohl jenen verstaubten und beleibten Band zum 7. Mai 2010 aus dem Buchregal herausholen − falls es Buchregale noch geben sollte − und sich die Augen reiben, wenn sie die Bilder darin genau anschauen.”

Nun besteht ja das Paradoxe an Fotobüchern, dass man zwar über sie schreiben kann aber die Fotos nicht zeigen darf, weil man dann ja die Bildrechte der Autoren verletzt. So ist Sprache in der Regel das Mittel der Wahl. Gottseidank hat der Dpunkt-Verlag eine Leseprobe mit ein paar Fotos zum Donwload bereitgestellt, damit es wenigstens ein paar visuelle Eindrücke gibt. Diese finden Sie hier. Ich habe dieses Buch verschiedenen Personen (Nicht-FotografInnen) gegeben und sie nach ihrer Meinung gefragt. Allesamt wurde mir bestätigt, dass es sich um ein Buch handelt, welches die Dinge so darstellt, wie sie heute sind. Also hat das Buch es geschafft, etwas zu dokumentieren, nämlich einen Tag in Deutschland.

Ein Tag Deutschland

640 Seiten, komplett in Farbe, Festeinband

ISBN 978-3-89864-707-6

42,90 Euro(D) / 44,20 Euro(A) / 60,90 sFr

dpunkt.verlag

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Was ist Professionalität in der Fotografie?

Ich stelle diese Frage hier und mir, weil ich in der letzten Zeit viele Diskussionen gelesen habe, die sich direkt oder indirekt damit beschäftigen.

Bemerkenswerterweise kann ich die Diskussionslinie am besten darstellen, wenn ich nicht über Profi und Amateur spreche sondern über die Frage von Fotografie als Handwerk und Fotografie als Kunst.

So beantwortet sich quasi das Thema des Artikels durch die Beschäftigung mit einem anderen Thema. Das hatte ich so auch noch nicht.

Beginnen will ich mit Joachim Schmid. Dieser Name tauchte plötzlich an diversen Orten auf, die ich gedruckt und digital besuchte.

Vor allem der Text zum Thema „Hohe“ und „Niedere“ Fotografie von 1992 gefiel mir. Schmid schreibt dort u.a.: „Doch unterscheidet sich die hohe Kunst der Fotografie von der allgegenwärtigen, in den Niederungen des Trivialen angesiedelten Normalfotografie – wenn man die Umstände von Produktion und Präsentation versuchsweise außer acht läßt und sich nur auf die Bilder konzentriert – in erster Linie durch ihre handwerkliche Präzision.“

Das ist doch mal ein Wort.

Doch Schmid bleibt hier nicht stehen, sondern untersucht dann den Zusammenhang von Fotografie und Fotokunst.

Deshalb möchte ich noch einen Satz aus diesem Text zitieren: „Mit der Perfektionierung der rein utilitaristisch begründeten fotografischen Produktion wurde die Abgrenzung der zweckfreien Fotokunst noch problematischer. Die partielle Annäherung von Reportage, Modefotografie, Werbung und Fotokunst ließ sich auch durch einen geschickten ästhetischen Überbau nicht verschleiern – zwischen den unterschiedlich begründeten Formen der anspruchsvollen Gebrauchsfotografie und den elaborierten Beispielen der konventionellen, kamerafixierten Fotokunst besteht kein fundamentaler Unterschied.“

Das ist eine Menge gedankliches Holz. Bei meinen weiteren Recherchen stieß ich dann auf einen Aufsatz von Ralf Hanselle, laut eigener Webseite freier Publizist in Berlin und Wien.

Ralf Hanselle hat einen sehr interessanten Artikel mit dem Titel „Das Ende der Beliebigkeit“ im Jahrbuch von 2010 des BFF veröffentlicht. Dort finde ich Joachim Schmid und seinen Text wieder. Hanselle zitiert aber einen anderen Satz als ich, nämlich: “Während die künstlerische Fotografie bei ihren Höhenflügen um eine Minimierung ihres Gebrauchswerts bemüht ist und dieses Ziel doch nie erreicht, steht dieser beim alltäglichen Normalfoto im Vordergrund”.

Hanselle formuliert insgesamt einen Text, der das Aushalten von Differenzen erleichtern soll, wenn ich dies richtig verstanden habe.

Und dann erzählt er die Geschichte von Walter E. Lautenbacher. „Als einer der führenden deutschen Modefotografen wollte er raus aus diesem “Handwerksding”. 1967 strebte er beim Finanzgericht Stuttgart einen folgenreichen Rechtsstreit an. Kommerzielle Fotografen sollten vor dem Fiskus das Recht erhalten, im Zweifel auch als Künstler anerkannt zu werden. Die Sache zog sich lange hin. In zweiter Instanz schließlich sollte Lautenbacher Recht bekommen. Wenn der Arbeit eines Fotografen nachweislich ein künstlerisches Element inhärent sei, so das damalige Urteil des Bundesfinanzhofs, dann könnten Fotografen fortan auch als Freiberufler tätig sein. Neben Handwerkern und Lichtkünstlern gab es jetzt also noch etwas Drittes. Etwas, was bis dato keinen Namen hatte. Fortan wurde es zu einem deutschen Spezifikum: Fotodesign – eine Disziplin, die weder Fleisch noch Fisch war.“

Ich empfehle den ganzen Artikel, weil dort die Frage von Fotografie und Kunst – Fotokunst – interessant dargestellt wird. Damit komme ich zurück zur Professionalität, die laut Schmid handwerklich ist, zugleich aber auch künstlerisch sein kann.

Ich weiß nicht, ob der Joachim Schmid, den ich hier zitiert habe, auch der Joachim Schmid ist, über den auf der Webseite kotzendes-einhorn.de berichtet wird. Dort finden wir folgenden Hinweis: „Joachim Schmid sammelt Bilder. Bilder von anderen, Bilder die er findet. Im Netz, auf der Straße und sonstwo. Bereits seit 1982 sammelt er Fotografien, die er auf der Straße findet. Fast 900 Aufnahmen hat er so zusammengetragen und in diversen Galerien ausgestellt. Doch erst das Internet ermöglichte ihm sein Konzept auszuweiten und weitere Sammlungen anzulegen.  Nun veröffentlicht er “Other People’s Phorographs” also in Buchform. Die Bücher konzentrieren sich hierbei auf Alltagsthemen die von Amateurfotografen visualisiert werden. Auf Fotoseiten wie Flickr sammelt er sein Material und kompiliert dann die Bilder nach fotografischen Begebenheiten oder Ideen. Dabei entsteht eine Dokumentation des Alltäglichen und der Beiläufigkeit, die durch das Zusammentragen mehrerer Bilder wieder zu etwas besonderem wird.  Gleichzeitig wird bewiesen, dass (auch) außerhalb des Kunstkontextes keine fotografische Idee neu ist. Vieles wurde bereits gemacht, vieles geknipst.“

Aber auch hier zeigt sich die Schwierigkeit der Unterscheidung zwischen Fotografie und Fotokunst über die auch Hanselle geschrieben hat. Fotos mit einem hohen Gebrauchswert werden weiterverarbeitet zu einem Kunstwerk.

Zumindest sehe ich dies so.

Doch das Thema ist unendlich.

Daher will ich die gedankliche Kette noch erweitern. Auf der Seite fotofeinkost.de von Dr. Martina Mettner findet sich ein Artikel zum Thema „Von der Brücke fotografiert oder: Wie ähnlich dürfen Fotos sein?“ In diesem Artikel findet sie eine klare Unterscheidung und die lautet so: „Auf der einen Seite, im Kulturbetrieb, fehlen die Beurteilungskriterien für gelungene Fotografien, so dass alles ausgestellt und bevorwortet wird, was irgendwie ganz nett aussieht und nicht weiter stört. Auf der anderen Seite, jener der Fotografen, mangelt es bisweilen an Professionalität. Die wird ja landläufig gerne mit der Virtuosität im Bedienen von Geräten gleichgesetzt, meint aber viel mehr, nämlich einen Berufsethos, wie er für alle freien Berufe notwendig und wichtig ist. Das Berufsethos des Arztes besagt, dass er sich für die Gesundheit des Menschen einsetzt. Macht er aus Gewinnstreben Medikamententests an Patienten, verletzt er dieses Ethos. Profi-Fotografen oder Künstler heben sich ja nicht allein deswegen von Möchtegernfotografen ab, weil sie mehr können oder eine bessere Ausrüstung haben, sondern weil sie sich professionell verhalten, das heißt, eine ordentliche Bezahlung verlangen, dafür aber auch im Sinne des Kunden oder der Kunst das Bestmögliche abliefern. Und natürlich gehört dazu auch, dass man eine individuelle Leistung und Lösung präsentiert und sich nicht, wie im Supermarkt, einfach überall bedient.“

Auch hier eine klare Feststellung, dass es keine klare Abgrenzung gibt zwischen Fotografie und Fotokunst sowie eine eindeutige Abgrenzung zwischen Profi und Amateur.

Aber auch damit will ich noch nicht enden.

Vielleicht erinnert sich der eine oder andere an meine Buchrezension von  „Biete Visionen“ von David duChemin. dort schrieb ich: „Seine Vision brachte ihn über das Theologiestudium und das Arbeiten als Komödiant letztlich zum Fotografieren. Und Profi ist man, wenn man davon leben kann.“ Soweit in Kurzform die Meinung von David duChemin wie ich ihn verstanden habe.

Wenn man nun diese hier dargestellten Auffassungen betrachtet, dann haben sich doch schon einige Kriterien als Antwort herausgebildet:

1. handwerkliche Präzision,

2. ordentliche Bezahlung,

3. eigenständiges Erarbeiten von Lösungen und

4. daß man davon leben kann.

Dies allein ist im Zeitalter digitaler Dammbrüche sicherlich genug Stoff für eine Woche Diskussion unter Interessierten.

Nur zur Einstimmung: Reicht es, in Zukunft noch als Fotograf aufzutreten oder muß man eigentlich nicht als Multimedia-Journalist tätig sein?

Eine andere Frage lautet, wenn man nicht davon allein leben kann, ist man dann kein Profi?

Man kann neben ganz vielen anderen Fragen auch noch darauf kommen zu fragen, was bedeutet eigentlich handwerkliche Präzision?

Damit will ich diesen Artikel beenden. Die offenen Fragen werden sicherlich eine Fortsetzung finden unter den digitalen Bedingungen nach den Feiern zum 10jährigen Jubiläum des 21. Jahrhunderts.

Dieser Artikel wurde 2010 publiziert.

Wenn man Bilder nicht mehr zeigen darf

Wenn Sie eine Zeitung kaufen in der Bilder abgedruckt sind von einer Fotoausstellung, dann bleiben die Bilder in der Zeitung drin. Logisch. Jetzt stellen Sie sich vor, jemand sagt zu Ihnen, Du mußt die Bilder aber am 1. April aus der Zeitung rausschneiden. Ab dann dürfen die da nicht mehr drin stehen. Was würden Sie denken?

So ist es nicht bei der Zeitung auf Papier aber im Internet. Als ich über den 4. Monat der Europäischen Fotografie berichten wollte, lud ich mir die Pressemappe herunter. Dort finden sich Beispielbilder in kleiner Auflösung zu den verschiedenen Ausstellungen. Ich fragte dann nach, ob und wie ich die Bilder benutzen kann im Rahmen der Präsentation der Ausstellung. Daraufhin teilte man mir mit, dass man die Rechte der Fotografen für eine Berichterstattung unter Nutzung der Fotos bis zum Ende des Projektes am 28. November habe. Auf meine Nachfrage erklärte man mir, danach müssen die Fotos aus den online erschienenen Artikeln entfernt werden.

Doch dies ist noch nicht alles. Ich wollte ein schönes Buch vorstellen und besprechen. Es war ein ausgesprochen interessanter Fotoband. Dazu stellte man mir 5 verschiedene Fotos in kleiner Auflösung zur Verfügung und teilte mir dann mit, dass maximal 3 dieser Fotos in kleiner Auflösung genutzt werden dürfen und spätestens am 1. April von der Webseite wieder entfernt werden müssen.

Auf diese Dinge lohnen sich schon ein paar Blicke und dazu auch einige Gedanken. Wenn ich diesen Wünschen folge, müßte ich kontinuierlich alle Artikel mit Fremdbildern danach untersuchen, ob das Verfallsdatum des Fotos überschritten ist. Das ist natürlich unzumutbar.

Gleichzeitig frage ich mich, was der Fotograf davon hat, wenn er ein fast symbolhaftes Foto, welches nur im Zusammenhang mit seiner Ausstellung oder seinem Buch gezeigt wird, mit einem digitalen Verfallsdatum versieht. Denn im Ergebnis wird dies dazu führen, dass ich zumindest solche Fotos gar nicht mehr reinsetze oder solche Bücher bzw. Veranstaltungen gar nicht mehr ankündige.

Denn wenn man das zu Ende denkt, würde dies ja einige Folgen haben. Ich erstelle aufwendig einen seriösen Artikel über ein Produkt, von dessem Verkauf ich materiell nichts habe. Dann läuft das Bildnutzungsrecht ab und ab dem Tag danach bin ich dran und man kann mir unrechtmäßige Nutzung von fremdem Bildmaterial vorwerfen.

Was dann passiert, kann man zum Beispiel hier lesen.

Daher ist es viel sinnvoller, wenn man sich Fotografen und Fotografien zuwendet, die man auch sehen darf(!!!). Oder ich müßte dazu übergehen und für eine Buchbesprechung Geld verlangen. Das wäre natürlich auch möglich. Aber dann wäre es kein Journalismus mehr sondern nur noch PR.

Das Ganze geht aber noch weiter und ist steigerungsfähig. Dazu möchte ich mit Ihnen einen Blick auf die Seite archive.org werfen. Die Seite archive.org sammelt ja weltweit Internetseiten, kopiert sie manchmal sogar täglich und stellt sie für jeden sichtbar im Internet bereit. Und probieren Sie mal, Seiten entfernen zu lassen. Das klappt fast gar nicht nach meiner Erfahrung. Stattdessen bietet man dort an, in einer Befehlsdatei auf dem eigenen Webserver einen Befehl zu hinterlassen, so dass die Seiten bei archive.org solange nicht angezeigt werden wie dieser Befehl in der Datei auf dem eigenen Webserver ist.

Ich habe sogar einmal einen Fotografen getroffen, der froh war, dass es archive.org gibt, weil er damit einen Bilderklau vor sechs Jahren nachweisen konnte, obwohl mir nicht klar ist, wieweit archive.org legal handelt.

Ich verstehe alle Seiten, weil dies alles interessengebunden ist. Aber wir bewegen uns hier meiner Ansicht nach komplett in der Illegalität bzw. in parallelen Rechtswelten, die es ja eigentlich gar nicht geben kann, wenn es Rechtssicherheit geben sollte und jeder benutzt sie für seine eigenen Interessen. Das ist alles abenteuerlich und nicht einer positiven Zusammenarbeit förderlich.

Eigentlich müßten doch Aussteller, Künstler und Büchermacher froh sein, wenn über sie berichtet wird. Umgekehrt braucht ein Journalist dafür aber Medien, ansonsten muß er über Fotobände nur noch schreiben (!) und sich fragen, welchen Sinn es macht, so zusammenzuarbeiten.

Im Ergebnis wird dies dazu führen, dass man eben über andere Dinge berichtet, weil es ja genug Themen gibt oder mit Fotografen, Verlagen und Agenturen zusammenarbeitet, die ein Interesse daran haben, das eine Zusammenarbeit mit ihnen nicht in der Illegalität endet.

Der Schnappschuss wurde neu erfunden? Über Hoffnungen und Enttäuschungen

Ich bin Anhänger der Strassenfotografie und damit der Schnappschussfotografie. Das ist einfach wunderbar. Doch mit den Displays verschwanden die Sucher. Damit gab es mehrere Probleme. Einige davon habe ich in fotomonat.de schon erörtert. Ich sehnte mich zurück nach den klaren optischen Suchern, weil sie einfach klasse sind.

Doch da muß es bei der Firma Panasonic Menschen geben, die mit höchster Raffinesse ihre vielleicht eigenen fotografischen Wünsche umsetzten.

Und so geschah es im Jahre 2010. Die Firma Panasonic hat den Schnappschuss neu erfunden. Diesmal auf dem Monitor und mit einer wunderbaren Technik.

Was meine ich damit?

Hier auf dem Foto ist das Display der Panasonic DMC-G2 zu sehen. Dort sieht man als kleines gelbes Symbol eine Hand mit Daumen und Zeigefinger. Das ist das Geheimnis. Wenn dies aktiviert ist (gelb eben) dann tippt man mit dem Finger einfach irgendwo auf dem Display und sofort wird ein Foto mit der intelligenten Automatik aufgenommen. Dabei stellt innerhalb von zum Teil fast Millisekunden die Kamera scharf und alles ist im Kasten.

Natürlich gibt es Argumente, die meine Begeisterung in ein Verhältnis zur umgebenden technischen Realität setzen: Ich kann nicht im Vorhinein durch den optischen Sucher mir alles so auswählen wie ich dies bisher traditionell gemacht habe. Aber vielleicht muß ich auch einfach an dieser Stelle neu denken. Und jetzt kommt das weil: Weil ich mit dieser Art der Fotografie einfach schneller bin als wenn ich beim Sehen die Kamera erst ans Auge holen muß, um dann noch genau die Schärfe dorthin zu legen wo sie hin soll. Auf gut Deutsch: ich bin in vielen Situationen mit der neuen Technik der Panasonic einfach schneller – wenn es um Schnappschüsse geht.

Und genau dies ist doch einen solchen Artikel wert. Denn hier geschieht etwas Wunderbares. Die Panasonic G2 erlaubt einmal den Blick durch einen guten (elektronischen) Sucher und zeitgleich eine neue Art des Schnappschusses auf dem Monitor. Die Kamera ist leider zu groß für eine Systemkamera, denn sie ist keine echte Alternative zu einer DSLR und hat das Problem, dass die Objektive für diese Kamera zu groß werden, wenn sie kleiner wird. Da wird noch manches zu lösen sein.

Ich hätte mir zwar eine rechteckige Kamera mit eingebautem Sucher gewünscht, aber vielleicht kommt das noch.

Nachtrag einige Monate später:

Die Begeisterung hat nachgelassen, weil der Finger zwar schnelle Fotos erlaubt aber keine gestalteten Fotos wie bei einem Sucher. Und jetzt?

Immer kleiner, immer glatter, immer schlechter zu halten?

  • Ich hätte erwartet, dass der Sucher insgesamt kleiner wird und das Sucherbild größer.
  • Ich hätte erwartet, dass das Auslösegeräusch leiser wird
  • und die rechteckige Kamera mit eingebautem Sucher, Schwenkdisplay und guter Haptik kommt.

Nichts davon wurde wahr. Mir persönlich gefällt von allen MFT-Kameras die E-PL1 am besten. Sie hat nur leider keinen Sucher. Sie ist gut anzupacken, hat sinnvolle Knöpfe für die Bedienung und ist klar strukturiert. Die Lumix G2 hat den Schnappschuss auf dem Display, ist aber zu groß. Was danach kam mit der G3 finde ich nicht besser und die kleineren Panas haben keinen Sucher und sind mir zu laut. Die  E-PL3  kann ich kaum noch festhalten, unter dem Gesichtspunkt ist sogar die GF3 noch besser.  Hoffnung macht die Pen Mini und der Ansatz MFT. So viel von mir zum Thema Strassenfotografie in diesem Rahmen. Aber das ist eben Geschmackssache und wird es auch bleiben.

Das Loch nach der Photokina

Nun ist die Photokina schon einen Monat vorbei und ich meine, ich spüre das Loch im Internet. Fast alle technischen Fotoseiten, international und national, haben fast stündlich in ihren Blogs über die neuesten Produkte berichtet. Und jetzt? Sie scheinen alle im Urlaub zu sein oder sie testen ununterbrochen. Wie auch immer, im Internet gibt es nicht nur wenig Neues sondern über die neuen Produkte auch wenig Getestetes.

Das gibt den Gedanken neue Nahrung. Was wäre eigentlich, wenn die Photokina nicht gewesen wäre und wenn es keine neuen Produkte gegeben hätte? Die einzige echte fotografische Hoffnung war ja die Fuji X100. Ob Sie wirklich lautlos sein wird, ob sie wirklich eine neue Generation von Digitalkameras für ernsthafte und traditionell ausgerichtete Fotografinnen und Fotografen eröffnet, werden wir in knapp einem halben Jahr sehen.

Aber wenn es diese Hoffnung nicht geben würde und wenn es die Photokina nicht gegeben hätte, was wäre dann eigentlich los in der Fotografie?

Man könnte zu dem Ergebnis kommen, dass man mit den bisherigen Kameras auch gut fotografieren kann. Und man könnte auch denken, dass es nicht ein gutes Bild weniger geben würde. Nichts gegen die Photokina! Sie ist ein wunderbarer Ort, um Blicke auf die neuen Produktionsstätten der Welt in China zu werfen und die kommenden Kulturen der Zukunft schon heute auch in Deutschland und im schönen Köln am Rhein zu empfangen. Das ist wirklich schön.

Aber fotografisch sind wir nicht weiter sondern höchstens anders geworden nach dieser Messe. Der alte Schopenhauer schrieb einmal „Das Neue ist der Feind des Guten“. Ich glaube, dass die nächste Photokina dazu genutzt werden könnte, vielen asiatischen Menschen Deutschland als Reiseland noch besser zu vermitteln.

Und nach der Photokina sollte es Reisen geben, Fotoreisen durch Deutschland und Fotoreisen durch China. Man könnte Wettbewerbe machen und die Photokina Besucher könnten diese Reisen gewinnen, gesponsert von den großen Herstellern, die die Gewinner zu Botschaftern für eine bessere Kommunikation auf der Welt mit Hilfe der Fotografie machen. Das wäre übrigens auch der Stadt Köln angemessen, deren Traditionen ja gerade auf der Begegnung der Kulturen und Menschen beruhen.

Insgesamt könnte man das Loch nach Photokina mit vielen guten Ideen füllen. Denn diese Messe ist schon etwas besonderes, weil sie alle Menschen und Kulturen mit als Fotografen oder Fotografierte zusammenbringt und die Produkte in fast jedem Haushalt zu finden sind.

Ob es so etwas jemals geben wird? Ich weiß es nicht, aber zumindest habe ich das Loch nach der Photokina mit einer guten Vision gefüllt.